Modelos Pedagógicos en Educación Artística

Modelos Pedagógicos en Educación Artística

Johan Stiven Cuadrado Muñoz

(084700392022)

Semestre IX

Docente: Jhessper Botello Agredo  

CREAD Kennedy 

Licenciatura en Educación Artística

Seminario integral para la educación artística

Bogotá D.C   

 Mayo de 2026

Problemas y preguntas generadoras 

Introducción 

La educación artística ha sido mirada y practicada de múltiples manera a lo largo del tiempo. Dependiendo del contexto histórico, cultural e ideológico, el arte en el aula puede ser enseñando como un conjunto de técnicas, como un espacio de libertad expresiva o como un sistema de lectura del mundo visual. Estas orientaciones no son casualidad, responden a modelos pedagógicos que organizan los propósitos, los contenidos y el rol del estudiante en la experiencia artística.

El pedagogo e investigador Imanol Aguirre  Arriaga, doctor por la Universidad Publica de Navarra y referente en la didactica de la expresión plástica, identifica tres modelos formativos que han marcado la historia y la practica de la educación artística. El modelo logocentrista, el modelo expresionista y el modelo filolingüística. Comprender sus diferencias es fundamental para reflexionar  críticamente sobre que tipo de sujeto y que tipo de experiencias queremos construir a través del arte.

¿Cuáles son los principales modelos de educación artística y como se diferencian entre si?

Cada modelo pedagógico en educación artística parte de una pregunta diferente, ¿Qué es lo que se debe aprender? y ¿para que sirve aprender arte? Las respuestas a estas preguntas determinan no solo los contenidos del aula, sino también la relación entre docente y estudiante, la evaluación y el sentido último de la experiencia artística.

Modelo Logocentrista: el arte como objeto de instrucción

El modelo logocentrista, tambien conocido como centrado en el objeto artístico, coloca en el centro de la accion educativa el hecho artístico y sus productos. Su objetivo principal es dotar a los estudiantes de las herramientas, conocimientos y técnicas precisas para conocer y producir productos artísticos alejados a los interés del estudiante. 

Este enfoque tiene sus raíces en el academia clásica y existe hoy en muchas instituciones de formación técnica artística. La evaluacion se mide por el dominio de destrezas y la fidelidad a modelos establecidos. Sus fortalezas se basaban en la rigurosidad técnica; su debilidad era no dejar vivir la experiencia subjetiva del aprendiz.

Modelo expresionista: el arte como liberación del sujeto

A comparación del modelo anterior, el modelo expresionista pone como prioridad al sujeto. Inspirado en Viktor Lowenfled, quien defendió que la educación artística debe favorecer el desarrollo psicológico, emocional y creativo del niño a través de la libre expresión.

Este modelo promueve la autonomía, la autoestima y el pensamiento divergente. Sin embargo, puede correr el riesgo de caer en la subjetividad en la evaluacion, perdiendo todo tipo de criterio ignorando las bases de la formación visual. En el caso del docente, deja de dar ordenes para convertirse en un facilitador.

Modelo Filolinguista: el arte como lenguaje visual

Entiende el arte como un sistema de comunicación y representación, como una analogia al lenguaje verbal. Es decir el estudiante debe aprender a "leer" (decodificar) y "escribir" (producir) mensajes visuales con intención y conciencia crítica. Autores como Rudolf Arnheim y Donis A. Dondis son referentes de esta idea. 

Este enfoque puede servir para la actualidad, en donde conviven miles de imagenes digitales, publicidad y cultura visual. Su riesgo es instrumentalizar es ser mecanizado y no utilizar la experiencia del artista.

Tabla comparativa 

¿Qué características definen al modelo centrado en el estudiante y como se implementa en el aula?

El modelo expresionista surge como reacción critica frente a la rigidez y al autoritarismo de la academia. Bajo una perspectiva humanista, este enfoque sostiene que la educación artística no debe enfocarse para replicar formas externas sino para que el niño y el joven articulen su mundo interior  

•        La experiencia emocional y creativa del estudiante es el punto de partida y de llegada de toda actividad artística.

•        El error técnico no existe como tal: toda producción tiene valor en tanto refleja un proceso auténtico.

•        El ambiente del aula debe ser seguro, estimulante y libre de juicios comparativos.

•        Se prioriza el proceso creativo sobre el resultado final o la obra terminada.

•        El docente renuncia al rol de autoridad estética para convertirse en acompañante del proceso personal de cada estudiante.

En la practica este modelo se concreta a través de propuestas pedagógicas que dan amplia libertad de elección: de materiales, de tema, de formato y de técnica. Las sesiones comienzan con motivaciones que trabajan desde la sensibilidad y la experiencia vivida del estudiante (una canción, un olor, una imagen, una historia personal).

La evaluacion en este modelo no es comparativa ni numérica; se apoya mas en el proceso personal del estudiante y el dialogo sobre las intenciones del creador. Autores como Sara Torres Pellicer (Trayectoria: Práctica Docente en Educación Artística, 2020) señalan que este enfoque —heredero de la tradición de 'Educación por el Arte'— sigue siendo hegemónico en muchas aulas latinoamericanas, a pesar de sus limitaciones para desarrollar competencias visuales sistematizadas.

¿Cómo se relaciona el modelo basado en la disciplina con la enseñanza de técnicas artísticas?  

El modelo logocentrista es el más afín a la tradición académica y al modelo conocido en el mundo anglosajón como DBAE (Discipline-Based Art Education), desarrollado en los años ochenta por el Getty Center en Estados Unidos. Aunque se trata de propuestas distintas, comparten la convicción de que el arte es una disciplina con cuerpo de conocimientos propio y que, por tanto, puede y debe ser enseñado de forma rigurosa y sistemática.

Desde la perspectiva logocentrsita, aprender arte implica adquirir dominio en cuatro grandes áreas: la producción artística (hacer), la historia del arte (contextualizar), l critica artística (analizar) y la estética. Esta estructura convierte al arte en una asignatura a la par de ciencias o a matemáticas en términos de rigor y desarrollo curricular.

Hoy la labor docente transita en muchos de estos modelos, combinando la exigencia tecnica, la libertad creativa y la lectura critica teniendo en cuenta las necesidades del grupo y del contexto. La propuesta de esta trilogía dirigida hacia una educación artística basada en la experiencia estética como construcción personal y social permite reconocer al arte como un campo de conocimiento, como practica cultural establecida. En ese orden de ideas, la discusión pasa por hacerse esa pregunta urgente sobre que tipo de personas estamos formado.

Bibliografia 

Aguirre Arriaga, I. (2006). Modelos pedagógicos en educación artística: imaginando nuevas presencias para las artes en educación. Conferencia. Bogotá. Recuperado de SlideShare.

Torres Pellicer, S. (2020). Los enfoques pedagógicos presentes en la Educación Artística. Trayectoria: Práctica Docente en Educación Artística, (7). Universidad del Centro de la Provincia de Buenos Aires.

Lowenfeld, V. & Brittain, W. (1980). Desarrollo de la capacidad creadora. Buenos Aires: Kapelusz.

Eisner, E. (1995). Educar la visión artística. Barcelona: Paidós.

Dondis, D. A. (1976). La sintaxis de la imagen. Barcelona: Gustavo Gili.

Ruiz Solórzano, J. (2011). Corrientes teóricas de la educación artística. Calameo. https://www.calameo.com/books/0007947800bd3823e074

Anónimo. (2025, 24 de octubre). Autores relacionados con la educación artística [Documento de Scribd]. Scribd. https://es.scribd.com/document/461131159/AUTORES-REALCIONADOS-CON-LA-EDUCACION-ARTISTICA-1

Anónimo. (2025, 17 de septiembre). Modelos formativos en educación artística FINAL [Documento de Scribd]. Scribd. https://es.scribd.com/document/181578111/Modelos-formativos-en-educacion-artistica-FINAL